Foresight 发布了一篇 ULTILAND 播客《The Creative Edge》整理稿。对谈邀请了比利时艺术家、《L'Ecurie de Marcelo》创作者 Stef，以及 ULTILAND 生态负责人 Loven，讨论欧洲艺术生态、欧亚创作差异、艺术与设计的关系、AI 时代的创作问题，以及 ARToken 在这一模式中的作用。
Stef 与 L'Ecurie de Marcelo
整理稿介绍，Stefan Jacobs 是一位比利时当代艺术家，也是 L’Ecurie de Marcelo 的创造者。这个艺术宇宙以马作为进化、文化和转变的象征。
其作品核心是 Evohippus，这是一种虚构的马匹品种，会在与不同文化、材料和传统的相遇中演化。Stef 没有重复固定视觉语言，而是让作品在旅途中发生变化，用这种方式连接艺术、设计、手工艺和当代文化。
文中还提到，Stef 来自四代印刷世家，已有近 30 年创意实践经历，创作方法结合了传统手工艺与实验性、国际化路径。
欧洲艺术地图不是单一中心
在对谈中，主持人请 Stef 描绘他所理解的欧洲艺术网络。Stef 先从安特卫普谈起，称那是自己的起点。这座城市「安静、严肃，甚至有点隐秘」，有钻石贸易和时装学院，艺术圈规模不大，但氛围浓烈，彼此熟识，口碑需要靠时间积累。
他说，布鲁塞尔则更偏向机构主导，涉及欧盟资金、双年展以及文化拨款行政体系，在那里，耐心和流程文件都不可缺少。
谈到巴黎时，Stef 形容这座城市背负着厚重历史，聚集大量画廊和藏家，各种艺术流派的余韵依然存在，创作者会感到历史持续施加影响。
柏林在他看来则是混乱但充满生命力的地方，拥有廉价工作室和实验性能量，吸引来自世界各地的艺术家。Stef 说，在那里，外界并不首先关心作品能否卖出，而更在意创作者是否参与到艺术对话中。
至于伦敦，他将其概括为更纯粹的市场，关联拍卖行、全球触角和资金交易。虽然脱欧让作品和人员流通变得更复杂，但在他看来，伦敦依然是大额交易发生的地点，只是摩擦增加了。
Stef 认为，年轻艺术家面对的选择并不只是「去欧洲发展」，而是进入哪一种引力场。创作者本身处于流动状态，可能在阿姆斯特丹读书，在里斯本驻留，在米兰举办首展，再到伦敦完成交易。物理边界模糊，但每个节点都有自己的文化规则和潜台词。
不同城市的合作逻辑
Stef 举例说，在比利时，画廊主可能要花 3 年了解一名创作者，经过工作室拜访、晚餐和闲聊，才会安排个展。伦敦的节奏则快得多，一次工作室拜访就可能决定是否合作。柏林还有另一套逻辑，可能长期不卖作品，但会通过评论和讨论让创作者进入核心艺术话语体系。
他将这种差异视为创作者韧性的一部分，认为不存在单一的「艺术界」，而是多个并行的艺术世界，创作者必须找到自己的路径。
艺术与设计的边界
当主持人提到 Stef 先学平面设计、后来成为纯艺术家时，Stef 表示，艺术和设计本质上是同一件事，只是教育系统习惯将两者分开，把设计归为功能性，把艺术归为表达性，一者解决问题，一者提出问题。
但他提到，观察韩国的品牌空间、日本的产品包装以及 M + 的展陈设计，可以看到最好的设计本身就是艺术，而最好的艺术也带有设计思考，两者都涉及对形式、色彩、空间和情绪的选择。
在自己的创作中，Stef 说每一件雕塑都始于一个设计问题，比如一匹马如何站立、重量如何分布，但最终会落向艺术层面的追问，即这匹马意味着什么。他将这段从问题到意义的路径称为「桥」。
对于未来，Stef 认为艺术与设计之间的边界会消失。年轻创作者不再先问自己是艺术家还是设计师，而会先问自己想做什么、需要什么工具。那些工具将是混合的，涵盖数字与实体、精准与混沌、规划与偶然。能在两个世界之间切换的人，才可能留下来。
亚洲创作者面临的顾虑
主持人提到 Stef 多年接触亚洲创作者，去过香港、上海、首尔和曼谷，询问他看到哪些西方艺术界没有看到的东西。Stef 回答说，他看到的是令人惊叹的技术基础和纪律性。学生可以把画画得非常完整，设计做得严密，执行精度很高。
但他说，当自己要求他们去做一些「不好看」的东西，或者进行一次可能失败的尝试时，他们往往会停住。他将这一点归结为教育体系、家庭期待和文化压力长期要求他们「做对」并且一次做好。
在 Stef 看来，这样的环境能够培养顶尖匠人，却未必能培养真正的创作者，因为创作发生在未知中，要求人愿意进入不确定状态。
他把自己希望提供的东西称为一种「失败的许可」。在这个空间里，前 4 次尝试都可以很糟糕，第 5 次才可能出现真正惊艳的结果。失败不会被记录、打分或记住，它只是过程的一部分。Stef 认为，这就是所谓的创作自由，不是亚洲创作者缺乏能力，而是他们更多被训练去执行，而不是探索。
Stef 的创作教练课
围绕这种思路，Stef 透露自己将推出创作教练课程，面向所有感到创作受阻的人，包括失去灵感的设计师、停止更新的艺术家、从未敢开始创作的学生，以及长期服务客户、逐渐忘记如何为自己创作的职场人。
他说，每节课时长为 4 个小时，没有固定课程大纲。开场只会问一个问题：「你在害怕什么？」随后再顺着参与者的回答展开。他会带去颜料、纸张、现成物和数字工具，并观察参与者自然会伸手去拿什么，而不是他们认为自己「应该」拿什么。
对于课程中的评价机制，Stef 表示自己不会做点评。「我只做见证，做镜像，提问题。」他不会说「这个很好」或「这里要改」，因为在他看来，那是画廊和机构的话术；他的目标不是为市场培养艺术家，而是帮助人们听见自己的声音。
首期课程计划落地 4 个城市，分别是香港、上海、首尔和曼谷。Stef 说自己不会公开场地，因为不想吸引画廊圈的人，而是希望接触那些「藏起来的人」——已经停止创作的人，或者下班后偷偷创作的人。按照他的说法，这些人会通过口口相传、社群以及听过他分享的人找到课程。
他还表示，这套课程不会与画廊、通稿或机构合作，目标对象是更广泛的普通人，尤其是那些因为没有名校文凭、没有人脉、没有足够存款而被挡在艺术界门外的人。他说自己曾经也是这样的人，出生在印刷工家庭，不是艺术世家，「没人给我开门，我就自己造了一扇门」。
欧洲的深度与亚洲的速度
在谈到课程方法时，主持人将欧洲概括为培养深度、亚洲概括为盛产速度，并询问两种节奏相遇后会发生什么。Stef 的回答是「这就是炼金术」。
他将欧洲的深度概括为慢、怀疑，以及愿意为不确定的事投入数年；将亚洲的速度概括为纪律、技术和对执行的渴望。他希望在课程里，把欧洲语境中的「失败许可」放入亚洲的纪律语境中。
在他看来，亚洲创作者不会因此失去精准，反而能在精准中获得自由。Stef 给出的说法是：「没有自由的精准是牢笼，没有精准的自由是混沌。」未来属于同时握住两者的人，既能熟练执行，也敢拥抱意外；既能严谨设计，也能大胆创作。
ARToken 如何支持这种模式
对谈后半段转向 ARToken。主持人提到，Stef 所描述的模式绕过了画廊和机构的传统资助机制，询问 ARToken 如何让它可持续。
Loven 表示，Stef 正在做的事——由艺术家直接面向创作者提供教练课、没有守门人——正是 ARToken 的设计初衷。按照他的说法，在传统模式里，艺术家如果想独立做教学，要么收取高额学费并限制人数，要么寻找机构背书，而 ARToken 改变了这种逻辑。
Loven 说，持有 ARToken，不是通过经销商购买一件雕塑，而是直接参与 Stef 的创作宇宙，其中包括教练课、创作幕后内容、新作优先体验，以及社群决策中的话语权。
当主持人追问是否可以理解为代币持有者在支持这些课程时，Loven 回答，他们支持的是「自由」。在他的描述中，Stef 不需要迎合画廊，也不必为了房租妥协创作理念，社群可以直接支持他。作为回报，支持者得到的是画廊无法出售的部分，包括见证创作全过程、看到犹豫和意外，以及接触更真实的人性。
Loven 还表示，这一模式从第一天起就是全球化的。无论是曼谷的创作者、内罗毕的学生，还是首尔的设计师，都可以平等参与，不需要住在安特卫普，也不需要认识某位画廊主。他用一句话概括这一点：「区块链不在乎你的邮编。」
AI 时代的人类创作者
在 AI 话题上，主持人提到，AI 已经可以在几秒内生成图像，询问人类创作者的位置在哪里。Stef 的回答是，AI 是工具，就像印刷机和摄影术，关键问题不在于它会不会取代艺术家，而在于它会放大艺术家，还是替代艺术家。
他认为，AI 可以生成图像，但无法生成「在意」。他以自己为一件作品投入 3 个月为例，提到那些早晨走进工作室、并不知道会发生什么的时刻，以及那些令人精疲力尽、却让人被改变的夜晚，认为这些经验无法被复制。
Stef 还说：「AI 没有怀疑。而没有怀疑的艺术，只是装饰。」
不过，他也表示 AI 带来了机会。它可以处理重复的、商业性的、装饰性的工作，把人类从中释放出来，让人去做只有人类能做的事，也就是与意义本身较劲。按他的说法，AI 还能让人更敢于失败，因为当 AI 已经能给出一个「够用」的版本时，人就更敢去尝试那些可能行不通的东西。
他将自己真正想教的内容概括为：不是如何使用 AI，而是如何比 AI 更像人，如何拥抱怀疑、意外和偏差，因为这些正是人类创作者不可替代的部分。
对谈的结尾观点
这篇整理稿最后写道，创作的钥匙始终在创作者自己手里。它对应的是那件即使没有人注视，自己依然愿意持续去做的事；是在外界评价它好不好、值不值、行不行之前，就已经开始做的那件事。
文末将这场对谈总结为几条并行趋势：欧洲的深度与亚洲的速度相遇，艺术与设计的边界消融，AI 与人性的互补。整理稿给出的结论是，创作的未来属于敢开始、敢失败、敢做自己的人。
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